Kuratiert von Beat Hächler (Direktor ALPS Alpines Museum der Schweiz, Bern) und Gian Suhner (Filmemacher)

Eröffnung: 18. Juni 2026, 17:30 Uhr

Grönland, ein vom arktischen Meer umgebenes Land, sechs Mal so groß wie Deutschland.
Das ewige Eis schmilzt unaufhörlich und das Land steht vor riesigen Veränderungen, die wie eine Lupe auf die Themen unserer Zeit zoomen. Seine rund 57.000 Bewohner:innen stehen aktuell vor massiven Herausforderungen einer sich rasant verändernden geopolitischen Lage und finden sich im Fokus internationaler Begehren wieder. Was bedeutet es, in Anbetracht der medialen und politischen Aufmerksamkeit seine Identität und Unabhängikkeit zu bewahren?

Grönlands Wandel ist heftig, ungestüm und widersprüchlich. Wie sehen das die Menschen vor Ort? Wie haben sich die kulturellen und nationalen Zugehörigkeitsgefühle seit den jüngsten geopolitischen Ereignissen verschoben? Welche Kunst und welche Musik drückt die Gefühle ihrer Einwohner:innen und besonders der jungen Generation aus?

Grönland – Not For Sale ist eine Ausstellung, die in Kooperation mit dem Alps Alpines Museum der Schweiz, Bern gezeigt wird. Über vier Jahre sind berührende und intime filmische Zeugnisse entstanden. Diese ermöglichen eine sinnliche Reise in die kaleidoskopischen Erzählungen eines komplexen Landes und deren Menschen. Sie nehmen uns mit in ihre Wirklichkeit und schaffen neue Einblicke und Verständnis für ihr Land und ihre Kulturen. Was uns so fern scheint, ist doch so nah.

Nacht der Museen: 25. April 2026, 19 – 01 Uhr (Hip Hop Night mit Janina Jackson, Dascha Reimt, Gunnpassion, Momma Rose und DJ Raenah)

Annette Gloser (feat. Silke Thoss), Die Schmiere, Hannibal Tarkan Daldaban, Heiner Blum, Honji Wang, Labelstore, Leonard Kahlcke, Oguz Sen, Rushy Diamond, Schwarzi 

Der Frankfurter Kunstverein lädt das Diamant Museum für Urbane Kultur, Offenbach ins Steinerne Haus am Römerberg ein. In intensiver Zusammenarbeit entsteht eine vierwöchige Kooperation mit Aktionen, Aktivierungen und Andockmöglichkeiten.

Hidden History ist mehr als eine Ausstellung. Gezeigt werden Protokollräume historischer und aktueller Positionen subversiver, subkultureller Aktivität in Form von Installationen, aktivierbaren Räumen, visuellen Wandzeitungen, kollaborativen Wandzeichnungen, Tape Art, Performances und Videoinstallationen.

Welche Akteur:innen und Aktivitäten haben die Szene in Frankfurt-Offenbach-Rhein Main in den vergangenen Jahren geprägt? Und wie wirken sie bis heute in das kulturelle Gewebe unserer Stadt hinein?

Kultur wird meist in bleibenden Bildern und Texten überliefert. Flüchtiges und Nichtaufgezeichnetes verbreitet sich durch mündliche Überlieferung, Mythen und Geschichten und verblasst, verschwindet dann im Fluss der Zeit. Dies gilt nicht nur für ferne Kulturen, sondern auch für unser Zeitalter der Information.

Die jüngere Kulturgeschichte unserer Region ist nicht nur geprägt von Institutionen und Hochkultur und deren Netzwerken und Öffentlichkeiten. Auch wenn Teile der Subkultur es in die Feuilletons geschafft haben, gibt es unter der Oberfläche immer noch eine Kultur der Straße und des Urbanen, die unter einer protokollwürdigen Wahrnehmungsgrenze liegt und dennoch innerhalb bestimmter Szenen oft wirkmächtig ist.

Hidden History wirft einen Blick hinter die Kulissen der Stadt und gibt exemplarische Einblicke in die Kultur einer für viele verborgenen Öffentlichkeit. Auch diese Kultur hat ihre Meister:innen, Legenden und Masterpieces. In Hidden History können wir sie gemeinsam entdecken.

Die Ausstellung im Frankfurter Kunstverein erweitert so den kulturellen Wahrnehmungsraum. Mit der Kuration von Heiner Blum, der seit Jahrzehnten kreative Potenziale aktiv fördert und sichtbar macht, entsteht in Kooperation mit dem Team des Frankfurter Kunstvereins ein lebendiger und offener Ort kultureller Forschung und Aktivität.

Der Frankfurter Kunstverein lädt alle dazu ein, neue Perspektiven zu entdecken und sich spielerisch zu beteiligen. Wichtiger Teil von Hidden History sind performative Ereignisse, Lectures, Führungen und Konzerte. Für Kinder und Jugendliche gibt es ein Workshop-Programm mit Künstler:innen der Ausstellung.

Über die Dauer von 4 Wochen verwandelt sich der Frankfurter Kunstverein in ein lebendiges Archiv urbaner Kultur auf der Suche nach der Geschichte der Zukunft.

Damit die Besucher:innen die Möglichkeit haben, die Ausstellung und die zahlreichen Performances, Workshops und Sonderveranstaltungen mehrfach zu besuchen, hat der Frankfurter Kunstverein die Eintrittsregelungen für die Dauer der Ausstellung vergünstigt: 5 € pro Besuch. Die Teilnahme an einer Veranstaltung oder Führung während des Besuchs ist darin bereits enthalten. Weitere Informationen finden Sie hier.

Kuratiert von Franziska Nori, Anita Lavorano, Pia Seifüßl und Angel Moya Garcia

Die Art und Weise, wie wir Menschen Körper betrachten, sie wahrnehmen und darstellen ist im ständigen Wandel. Kunst und Wissenschaft haben seit jeher mit Bildern von Körpern Geschichten über das Menschsein erzählt. Und so sind in unterschiedlichen Epochen immer neue Körperbilder und Deutungen entstanden.

Warum aber heute über den Körper nachdenken? Wissen wir nicht bereits genug über ihn? Wir alle haben Körper. Mehr noch: Wir alle sind Körper. Der Körper kann von außen betrachtet und von innen untersucht, vermessen und quantifiziert werden. Er kann pathologisiert und objektiviert, geheilt und umsorgt werden. Körper sind verwundbare Gebilde. Die Verletzlichkeit des Körpers ist eine existenzielle Bedingung des Menschen. Oder ist sie nur ein Problem, das wir versuchen unter Kontrolle zu bringen? Körper sind endlich. Und gleichzeitig sind Körper politisch. Der Körper ist nicht ausschließlich eine private Angelegenheit, er ist der Austragungsort von Weltbildern, von Wertesystemen und somit von Politik. Denn Verletzlichkeit ist in der Gesellschaft ungleich verteilt.

Zeitgenössische Künstler:innen bringen ein verändertes Gefühl der Körperlichkeit, deren Umdeutung und den Ruf nach einem neuen Menschenbild zum Ausdruck. Ihre Arbeiten treffen auf spektakuläre Objekte aus unterschiedlichen Bezugsfeldern und Zeiten: von den idealisierten Körperdarstellungen der archaisch-griechischen Kunst über religiöse Votivgaben als Bitten um Heilung sowie in Deutschland zum ersten Mal präsentierte anatomische Wachsfiguren aus dem 18. Jahrhundert bis zu neuesten Bildern der medizinischen Forschung, bei denen wir virtuell durch ein schlagendes Herz reisen.

Die Ausstellung bietet Ihnen eine Reise durch die Geschichte der Körperbilder, in der der zunehmend wissenschaftliche Blick ins Innere unseres Körpers die Frage danach, wer wir sind, immer wieder verschiebt und neu stellt.

Der Ausstellungsparcours

Den Auftakt bildet eine Kroisos-Kouros-Statue. Die zwei Meter hohe, männliche Figur aus archaisch-griechischer Epoche (530 v. Chr.) steht aufrecht und mit dem Blick in die Ferne gerichtet. Die Statue stammt aus der Antikensammlung und dem Skulpturensaal der Goethe-Universität Frankfurt und symbolisiert die Idealvorstellung eines Körpers. Sie steht weniger für einen individuellen Körper als vielmehr für eine kulturell geregelte und normierte Idee des „schönen Körpers“. In jener Zeit in Griechenland war der freie, erwachsene Mann das Maß aller Dinge und Zentrum des gesellschaftlichen und politischen Lebens. Er stand an der Spitze einer streng hierarchischen Ordnung, die sich in Klassen und Stände unterteilte: Frauen und Slaven unter ihm. Der Kroisos-Kouros setzt so den Fluchtpunkt der Ausstellung, in der ein Abbild des Körpers als Sinnbild für ein Weltbild steht und später immer mehr in individuelle Lesarten auffächert.

Vom normierten, idealisierten Körper führt der Weg in die radikale Gegenwart: The Alternative Limb Project der Londoner Designerin, Künstlerin und Prothetikerin Sophie de Oliveira Barata (*1982 London, GB). Zu sehen sind zwei ihrer zahlreichen Prothesen, zwei Arme. Die verblüffenden Objekte ersetzen nicht etwa ein fehlendes Körperteil möglichst naturgetreu, sie erweitern vielmehr dessen Erscheinungsbild und Funktion durch künstlerische Interpretation, sodass die alternativen Gliedmaße zum stolzen Empowerment der Persönlichkeit werden. Hier wird der Körper nicht mehr nur medizinisch repariert oder gesellschaftlich normiert – sondern zur Chance eines neuen Selbstentwurfs.

Vergangenheit und Zukunft des anatomischen Blicks treffen aufeinander. Zum ersten Mal in Deutschland wird die berühmte anatomische Venus (ca. 1782) von Clemente Susini (*1754 Florenz, IT; † Florenz, IT 1814) im Frankfurter Kunstverein zu sehen sein. Die lebensgroße weibliche Ganzkörperfigur liegt wie eine schlafende Schöne da, mit langem, echtem Haar. Ihre Augen sind geschlossen, ihr Kopf nach hinten geneigt. Doch ihr Rumpf ist aufgeschlitzt und gibt den Blick auf die inneren Organe in Schichten frei. Diese anatomische Wachsfigur steht sinnbildhaft für die Zeit der Aufklärung, in der Wissen ins Zentrum menschlicher Welterfahrung rückte. Der Künstler Clemente Susini entwickelte im 18. Jahrhundert eine neue Form der Darstellung, zwischen anatomischem Wissen und künstlerischer Interpretation. Unter Zusammenarbeit mit der Universität Bologna und deren Sammlungen “Luigi Cattaneo” und Museum Palazzo Poggi präsentiert die Ausstellung Anatomie der Fragilität zusätzlich neun weitere spektakuläre anatomische Wachsskulpturen.     Ergänzend erzählt der Film Die Anatomin von Iris Fegerl auf eindrucksvolle Art die Geschichte der Anatomin und Wachskünstlerin Anna Morandi Manzolini. Sie war die erste Frau, die im 18. Jahrhundert in die rein männlichen Domäne der Universität Einlass fand.

Den anatomischen Wachsfiguren gegenübergestellt können Besucher:innen das Innere des Körpers als virtuelles Erlebnis bereisen. Das Londoner Künstler:innenkollektiv Marshmallow Laser Feast hat eine immersive VR-Erfahrung geschaffen. Die Installation Evolver entstand in Kooperation mit dem Fraunhofer-Institut für Digitale Medizin MEVIS aus Bremen. Für die Öffentlichkeit kaum zugängliches medizinisches Rohmaterial wie Ganzkörper-MRT-Scans, MRA-Untersuchungen und Blutflussdaten einer Person stellen das wissenschaftliche Rohmaterial für diese künstlerische Arbeit dar.

Evolver beginnt mit einer zehn-minütigen Audio-Meditation. Die Stimme von Cate Blanchett führt in Englischer Sprache Besuchenden in die Ruhe der eigenen Atmung und so in die Beruhigung des eigenen Herzschlags. Im Anschluss versetzt eine vierundzwanzig-minütige VR-Erfahrung in die Blutkreisläufe, Lungenräume und das pulsierende Herz. Eine bewegtbild Projektion von fünfzehn Metern lässte Betrachter:innen in die medizinisch-künstlerischen Körperbilder eintauchen.

Zusätzlich kann die Teilnahme am interaktiven Teil der Installation nach vorheriger Anmeldung gebucht werden. Termine werden jeden Donnerstag von 17 bis 21 Uhr, jeden Samstag und Sonntag von 11 bis 19 Uhr sowie an Feiertagen angeboten. Jede virtuelle Reise dauert 45 Minuten. Termine können hier reserviert werden: calendly.com/frankfurterkunstverein.

Der Frankfurter Kunstverein hat die Zusammenarbeit mit dem Universitätsklinikum Frankfurt gesucht. Aus der Sammlung der Klinik für Dermatologie, Venerologie und Allergologie, Universitätsmedizin der Goethe-Universität Frankfurt sind naturgetreue Wachsmodelle von Hautkrankheiten und -verletzungen zu sehen. Die sogenannten Moulagen sind aus Wachs geformte, dreidimensionale und naturgetreue Nachbildungen von Körperteilen, die zur medizinischen Ausbildung dienen. Anders als bei den anatomischen Wachsmodellen aus der italienischen Tradition, die idealisierte und anonyme Körper darstellten, bewahren Moulagen das genaue Abbild einer echten, individuellen Person. Sie sind so das Abbild von Körperfragmenten, das die Spuren eines realen Menschen und seiner einmaligen Leidensgeschichte trägt – und gleichzeitig die Voraussetzung für die Weitergabe von Wissen in der Medizin.

In räumlicher Gegenüberstellung zeigt die südkoreanische Künstlerin Yein Lee (*1988 Incheon, KR) fünf Skulpturen. Die in Wien lebende Kunstschaffende leistet mit ihrem Werk Widerstand gegen eine Vorstellung des Körpers als makellos, intakt und immer funktionierend. Ihre Plastiken stellen menschenähnliche, lebensgroße Figuren dar, die, von ihren äußeren Hüllen befreit, auf ihre inneren Strukturen blicken lassen. Die Skulpturen konstruiert Lee aus elektrischen Kabeln, Stahlrohren, Computerteilen, aber auch aus Zweigen und Ästen sowie gefundenen Alltagsobjekten. Ihr Material ist synthetisch und natürlich zugleich. So entstehen fragile Körperwesen zwischen Technik und Natur, deren offene Strukturen Instabilität und Wandel verkörpern.

Votive sind Opfergaben, die Menschen in Zeiten der Not höheren Kräften darbieten. Es sind Ding gewordene Gebete um Heilung und um Schutz in Zeiten des Leids, oder Dank für wundersame Rettung und Hilfe. Seit Jahrtausenden existiert diese Form der Anrufung göttlicher Kraft und Fürbitte fast unverändert. An jedes einzelne Votiv ist die Lebensgeschichte eines Menschen gebunden, dessen Bitte die Gabe in Gestalt des Votivs erzählt. Die Ausstellung Anatomie der Fragilität zeigt 23 etruskische Terrakotta-Votive aus dem Bestand der Antikensammlung der Professur für Klassische Archäologie an der Justus-Liebig-Universität Gießen. Sie stammen aus der Sammlung des Anatomen Ludwig Stieda, der sie 1899 im heutigen Isola Farnese, das über den Ruinen der antiken Stadt Veji liegt, erwarb. Sie datieren überwiegend ins späte 3. bis mittlere 2. Jahrhundert v. Chr. und gehören zu den frühesten erhaltenen Zeugnissen einer religiösen Praxis, die in verschiedenen Kulturen über Jahrtausende fortgeführt wurde.

Ihnen gegenüber stehen Objekte aus der Sammlung von Hans und Benedikt Hipp aus Pfaffenhofen. Der Bestand umfasst Votive, die bis ins frühe 17. Jahrhundert zurückreichen. Zu sehen sind blutrot gefärbte Wachs-Votive und die dazugehörigen Holzmodel. Im süddeutschen Raum wurden Votivgaben seit dem Barock vor allem aus dem formbaren, organischen Bienenerzeugnis gefertigt. Die Eigenschaften von Wachs sind unmittelbar mit der Fleischlichkeit und Verletzlichkeit des menschlichen Körpers verbunden. Die Figuren wurden seriell aus demselben Model gegossen und viele sind optisch identisch, doch trägt jedes einzelne Objekt eine individuelle Geschichte, einen Wunsch oder eine dringende Hoffnung in sich.

Mit den Votivgaben treten fünf Gemälde der italienischen Künstlerin Chiara Enzo (*1989 Venedig, IT) in einen räumlichen Dialog. Ihr zentrales Sujet ist der menschliche Körper als die Schnittstelle alles menschlichen In-der-Welt-Seins. Die kleinformatigen Malereien sind hyperrealistisch. Sie zeigen Körperoberflächen, die nie intakt und unversehrt sind. Spuren von Verletzungen, Eingriffen, epidermische Reaktionen oder Abdrücke von Abwesendem werden zum Motiv. Enzo stellt Fragen nach den universellen Erfahrungen des Menschseins: Intimität, Verletzlichkeit, Krankheit – und wie wir aus Wahrnehmung eine Idee von Wirklichkeit erschaffen.

Eine große Rauminstallation von Agnes Questionmark (*1995 Rom, IT) bildet den Schlusspunkt der Ausstellung. Sie setzt drei lebensgroße Skulpturen und sechs Wandobjekte zusammen, die eigens für die Ausstellung geschaffen wurden. Ausgangsmaterial der Künstlerin sind Bilder chirurgischer Eingriffe am offenen Herzen.

Diese sind digital und analog verfremdet und mit Silikon oder Wachs überformt. Als imposante Wandtafeln erinnern sie an das Leibliche und Fleischliche der Körperinnenräume. Das Zentrum des Raumes bilden drei lebensgroße Skulpturen. Mischwesen, zwischen Alien und mythologischen Wasserfiguren – halb Mensch, halb Tier. Das Fremde, das Andersartige, das der Gesellschaft als monströs gilt, verkörpert bei Questionmark erlebte Zustände des Dazwischen. Agnes Questionmark verweist auf die Macht rein medizinischer Bewertung, die Subjekte fixiert, Geschlechter zuweist und Abweichungen pathologisiert. Sie eignet sich die klinischen Bildwelten an, formt sie um, womit ihre Kunst zu einem Akt der Selbstermächtigung wird – jenseits binärer Kategorien von männlich und weiblich, gesund und krank, menschlich und nicht-menschlich, fragil und resilient.

Die Ausstellung spiegelt die programmatische Ausrichtung des Frankfurter Kunstvereins wider, bei der die aktuelle Kunst und die Wissenschaften als gleichwertige Ausdrucksformen menschlichen Wissensdrangs und der Sinnsuche befragt werden.

Sie entstand unter der Schirmherrschaft des Italienischen Generalkonsulats in Frankfurt am Main.

Wir danken:

Italienisches Generalkonsulat Frankfurt: Massimo Darchini (Generalkonsul), Silvia Bianchi (Vizekonsulin) Michele Santoriello (Kulturbüro)

Goethe-Universität Frankfurt: Prof. Dr. Enrico Schleiff (Präsident), Prof. Dr. med. Bastian Schilling (Direktor der Klinik für Dermatologie, Venerologie und Allergologie, Universitätsmedizin), Prof. Dr. Falk Ochsendorf, Thomas Koculak, Ilona Büttner und Andrea Steininger-Rusch (Klinik für Dermatologie, Venerologie und Allergologie, Universitätsmedizin), Dr. Matthias Recke (Kustos der Antikensammlung und des Skulpturensaals), Prof. Dr. Anja Klöckner (Professur Klassische Archäologie), Dr. Judith Blume (Koordinatorin der Sammlungen an der Goethe-Universität)

Justus-Liebig-Universität Gießen: Prof. Dr. Katharina Lorenz (Präsidentin), Dr. Michaela Stark (Antikensammlung der Professur für Klassische Archäologie)

Alma Mater Studiorum – Universität Bologna, Museales System der Universität: Prof. Dr. Giuliana Benvenuti (Präsidentin), Prof. Dr. Stefano Ratti (Wissenschaftlicher Referent der Sammlung anatomischer Wachsmodelle “Luigi Cattaneo”), Prof. Dr. Lucia Corrain (Wissenschaftliche Referentin des Museums Palazzo Poggi), Dr. Annalisa Managlia (Technische Koordinatorin), Dr. Cristina Nisi (Rechte, Reproduktionen und Leihgaben); Daniele Angellotto (Restaurator am Opificio delle Pietre Dure, Florenz)

Hans und Benedikt Hipp (Sammlung Hipp, Pfaffenhofen); Agnes Questionmark; Arturo Passacantando (Studio Agnes Questionmark); Zabludowicz Foundation, Ko-Finanzierung Produktion Agnes Questionmark; Pepe Baena Diví (Airas Wang de Lafée, Girona, Vertretung Agnes Questionmark); Chiara Enzo; Lorenzo Ciavaglia, Paolo Zani (Galleria Zero, Mailand, Vertretung Chiara Enzo); Matteo Larice; Mariolina Bassetti; Mauro de Iorio (Collezione De Iorio, Italien); Stefano Menconi (MA COLLECTION Singapore); Yein Lee; Sophie de Oliveira Barata (The Alternative Limb Project); Marshmallow Laser Feast: Mike Jones (Produktionsleiter, Partner), Emmanuel Adanlawo (Produzent), Sarah Gamper-Marconi (Studioleiterin), Louise Deschamps (Kommunikation); Iris Fegerl; Bianka Hofmann (Leiterin Wissenschaftskommunikation, Fraunhofer-Institut für Digitale Medizin MEVIS); Dr. Wolfgang David (Direktor Archäologisches Museum Frankfurt)

Wir danken den Kolleg:innen aus dem „Netzwerk Nachhaltige Kultur Frankfurt“ für ihre Unterstützung:

Historisches Museum Frankfurt: Dr. Doreen Mölders (Direktorin), Carolina Maddè (Ausstellungs- und Veranstaltungsmanagement)
Schirn Kunsthalle Frankfurt: Esther Schlicht (Stellvertretende Direktorin, Ausstellungsleiterin und Kuratorin), Christian Teltz (Technische Leitung), Andreas Gundermann (Leitung Hängeteam)
Städelmuseum: Dr. Philipp Demandt (Direktor), Sven Lubinus (Stellvertretender Leiter Ausstellungsdienst), Thorsten Knapp (Technik)
Deutsches Ledermuseum Offenbach: Dr. Inez Florschütz (Direktorin), Ralph Müller (Haustechnik), Yvonne Scholz (Büro der Direktion)

Zum fünften Mal seit 2017 zeigt der Frankfurter Kunstverein mit And This is Us 2025 – Junge Kunst aus Frankfurt aktuelle Kunst aus Frankfurt und der Rhein-Main-Region. Die Ausstellung, die alle zwei Jahre vom Frankfurter Kunstverein kuratiert und produziert wird, bietet Künstler:innen der Hochschule für Bildende Künste – Städelschule, der Hochschule für Gestaltung Offenbach und zum ersten mal der Kunsthochschule Mainz eine national sichtbare Bühne. Nicht ein übergeordnetes Thema steht im Vordergrund, sondern die Teilnehmer:innen werden bei der Konzeption und Umsetzung ihrer ganz eigenen Themen begleitet, um ihnen die Produktion neuer Werke in institutioneller Dimension zu ermöglichen.

Das Format And This is Us – Junge Kunst aus Frankfurt ist eine Einladung, sich den Phänomenen der heutigen Zeit durch die Perspektive der jungen Künstler:innen sinnlich zu nähern. Auch 2025 will die Ausstellung die Schwingungen und Stimmungen jeder neuen Generation aufnehmen und unmittelbar sichtbar machen.

Das Ausstellungsformat wurde von Anfang an großzügig von der Dr. Marschner Stiftung unterstützt, deren Engagement aus der Vision eines Frankfurter Bürgers hervorgegangen ist, um das kulturelle Leben für die Menschen unserer Stadt dauerhaft lebendig zu halten.

Mit Heidi Bucher, Lawrence Malstaf, Marshmallow Laser Feast, Petra Noordkamp, Claudio Parmiggiani, Toni R. Toivonen und mit Exponaten aus dem Archäologischen Park von Pompeji, dem Prähistorischen Museum Florenz „Paolo Graziosi”, dem Naturhistorischen Museum Wien, dem LWL-Museum für Naturkunde, Münster, der Associazione Gibellina Parco Culturale und mit Prof. Dr. Luciano Rezzolla, Institut für Theoretische Physik der Goethe-Universität Frankfurt

Kuratiert von: Franziska Nori, mit wissenschaftlicher Unterstützung von Anita Lavorano und Laura Perrone

Die Ausstellung Das Anwesende des Abwesenden kreist thematisch um die zeitlose Auseinandersetzung des Menschen mit der Idee der Veränderung und der Vergänglichkeit und deren Formen der Repräsentation. Der Titel spielt auf Materie als Präsenz an, in der sich Spuren des Lebenden einschreiben. Die vitale Energie ist kraftvoll, jedoch flüchtig.

Woher kommen wir? Was ist der Ursprung aller Materie auf der Erde und in der Unendlichkeit des Kosmos? Was bedeutet es, in unserer Galaxie Schwarze Löcher zu erkennen, in denen unendlich verdichtete Materie eine Leere und Abwesenheit erzeugt? Welche Auswirkungen schaffen Naturereignisse, die die Erde umformen und das Leben der Menschen mit ihrer Macht verändern? Und wie gehen Menschen mit dem existentiellen Bedürfnis um, sich in ihrer Endlichkeit der Ewigkeit zu stellen? Welche Mythen und welche Bilder schaffen sie, um sich mit dem Spirituellen zu verbinden? Ist Kunst ein Weg, ein Zeugnis seiner selbst in die Zeit einzuschreiben?

Diese Fragen haben das Vorstellungsvermögen von uns Menschen seit der Urzeit bis in die heutige Zeit geprägt. Seit es Menschen auf der Erde gibt, erfinden sie Symbole und Zeichen, um ihrem Fühlen und Denken und Wissen eine Form zu geben, Spuren in der Zeit zu hinterlassen und sich vielleicht so mit der Ewigkeit zu verbinden.

Werke bedeutender zeitgenössischer Künstler:innen treten in einen Dialog mit wissenschaftlichen Exponaten der Geologie, der Astrophysik, mit Abgüssen aus Pompeji, mit Fußabdrücken prähistorischer Menschen von der Fundstelle Laetoli im heutigen Tansania und mit Nachbildungen prähistorischer Höhlenzeichnungen menschlicher Vorfahren. Alle Exponate verweisen auf existenzielle Fragen des Menschseins in den Dimensionen von Raum und Zeit. Sie erforschen die Idee der Spuren einer Existenz, die sich in Materie einschreiben.

Mit der Ausstellung Das Anwesende des Abwesenden schreibt der Frankfurter Kunstverein die Zusammenarbeit mit der Senckenberg Gesellschaft für Naturforschung ein viertes Mal fort. Nach Trees of Life (2019), Edmonds Urzeitreich (2020) und Bending the Curve (2023), ist nun eine Schau entstanden, in der der Frankfurter Kunstverein mit Hilfe der Wissenschaft grundsätzliche Fragen stellt. Die Zusammenarbeit erwächst aus den fortwährenden Gesprächen zwischen Prof. Franziska Nori, Direktorin des Frankfurter Kunstvereins und Prof. Dr. Andreas Mulch, Direktor des Senckenberg Forschungsinstituts und Naturmuseums Frankfurt. Zusätzlich haben wir Prof. Dr. Luciano Rezzolla vom Institut für Theoretische Physik der Goethe-Universität gewinnen können, Wissenschaft und Kunst als gemeinsame Kraft menschlichen Denkens und Forschens in einen intensiven Dialog treten zu lassen.

Wir danken

Senckenberg Forschungsinstitut und Naturmuseum Frankfurt: Prof. Dr. Andreas Mulch (Direktor), Prof. Dr. Ottmar Kullmer (Leiter der Abteilung Paläoanthropologie), Dr. Thorolf Müller (Leitung Kuration ), Stefanie Klein (Ausstellungsbüro), Olaf Vogel (Geologischer Präparator); Institut für Theoretische Physik (ITP), Goethe-Universität Frankfurt: Prof. Dr. Luciano Rezzolla, Marie Cassing; Italienisches Generalkonsulat Frankfurt: Massimo Darchini (Generalkonsul), Michele Santoriello (Kulturbüro); Archäologischer Park von Pompeji: Dr. Gabriel Zuchtriegel (Direktor), Dr. Silvia Martina Bertesago, Anna Civale (Ausstellungen und Vermittlung), Paola Sabbatucci (Restauratorin); Prähistorisches Museum und Institut „Paolo Graziosi“ in Florenz: Prof. Dr. Fabio Martini (Direktor), Dr. Lapo Baglioni; Naturhistorisches Museum Wien: Dr. Karin Wiltschke-Schrotta (Abteilungsdirektorin Anthropologie), Dr. Margit Berner (Wissenschaftliche Mitarbeiterin und Kuratorin); LWL-Museum für Naturkunde, Münster: Dr. Lothar Schöllmann (Sammlungsleitung Paläontologie), Daria Carobene (Sammlungsmanagerin Paläonthologie), Sabine Frahling (Verwaltung); Alberto Stabile (Gibellina Heartquake VR); The Heidi Bucher Estate: Indigo Bucher und Mayo Bucher; Ischa Tallieu (Tallieu Art Office); Ingrid Nelson (Artist Liason Lehmann Maupin); Michele Casamonti (Tornabuoni Art); Federica Popoli, Abel Herrero (Studio Claudio Parmiggiani); Tiziana Peparini, Marco Fusi (Ars Movendi); Galerie Forsblom: Ilkka Tikkanen (Direktor), Suvi Pajunen (Registrar); Nelimarkka Foundation: Joonas Seeck (Vorsitzender), Carmen Vendelin-Iaukkanen (Direktorin); Anna Hjorth-Röntynen (Direktorin Sara Hildén Art Museum); Tommi Pätilä; Ville Tuppurainen; Tobias Becker und die Studierenden des Instituts für Kunstpädagogik, Justus-Liebig-Universität Gießen; Andrea Cortellessa; Dr. Wolfgang David (Direktor Archäologisches Museum Frankfurt); Matthias Eichhorn; Paolo Ferri; Daniel Gilgen (studio gilgen); Florian Langhammer (Collectors Agenda); Fabio Macaluso; Kathrin Sündermann; Dr. Norbert Zimmermann (Deutsches Archäologisches Institut, Rom); C.H. Beck Verlag; Ullstein Buchverlage GmbH

Unter dem Titel Wer hat Macht? Körper im Streik hat der Frankfurter Kunstverein zwei aufstrebende Frankfurter Künstlerinnen, Gintarė Sokelytė und Sonja Yakovleva, eingeladen, ihre bisher größte institutionelle Einzelausstellung umzusetzen. Mit gewaltigen Neuproduktionen haben sie autarke Bildräume geschaffen, in denen die Frage der Macht subversiv gestellt wird – welcher Macht Körper ausgesetzt sind und die Macht, die von Körpern im öffentlichen Raum ausgeübt wird.

Gintarė Sokelytė zeichnet und malt, sie ist Bildhauerin und Filmemacherin. Der Körper und dessen innere Landschaften bilden schon immer den Kern ihrer Untersuchung. Er wird als Instrument betrachtet, durch das das Selbst die Welt und seine eigene Existenz erfährt. Für den Frankfurter Kunstverein hat Sokelytė einen gänzlich in sich geschlossenen Raum geschaffen, in den sie uns eintreten lässt. Sie fragt nach der Macht unausgesprochener Ängste und wie sie gebannt werden kann. Sokelytė forscht nach einem zeitlosen Drang, mit dem sich der Mensch gegen das Ungewisse durch Ordnung und Form widersetzt. Ihre menschlichen Figuren sind das Feld, auf dem die Macht eines ewigen Kampfes ausgetragen wird.

Wer hat Macht? Körper im Streik ist eine Einladung, sich durch die Werke von Sonja Yakovleva und Gintarė Sokelytė Phänomenen der heutigen Zeit sinnlich zu nähern. Die Ausstellung ist eingebettet in die programmatische Ausrichtung des Frankfurter Kunstvereins, der sich für die Förderung junger Kunst aus Frankfurt und dem Rhein-Main-Gebiet einsetzt und dabei innovative Perspektiven auf gesellschaftliche Fragen präsentiert.

Gintarė Sokelytė (*1986, Kėdainiai, LT) lebt und arbeitet in Frankfurt am Main (DE). Im Jahr 2023 schloss sie ihr Studium an der Städelschule in Frankfurt am Main (DE) ab. Zuvor studierte sie Siebdruck an der Technischen Universität Vilnius Gediminas (LT). Sie ist Mitglied des Künstler- und Architektenkollektivs Commune 6×3. In den Jahren 2013, 2016 und 2023 erhielt Sokelytė den litauischen Filmpreis – den Silbernen Kranich – für die beste Regie im Bereich Schnitt. Im Jahr 2023 wurde sie mit dem Preis der Heinz und Gisela Friederichs Stiftung ausgezeichnet. Gintarė Sokelytė hat u. a. im Palais de Tokyo, Paris (FR), im Frankfurter Kunstverein (DE), im Montos tattoo art space, Vilnius (LT), im Vytautas Kasiulis Art Museum (LT) und im Goethe-Institut Irland (IE) ausgestellt.

Wir danken
Historische Eisenbahn Frankfurt e.V.

Unter dem Titel Wer hat Macht? Körper im Streik hat der Frankfurter Kunstverein zwei aufstrebende Frankfurter Künstlerinnen, Gintarė Sokelytė und Sonja Yakovleva, eingeladen, ihre bisher größte institutionelle Einzelausstellung umzusetzen. Mit gewaltigen Neuproduktionen haben sie autarke Bildräume geschaffen, in denen die Frage der Macht subversiv gestellt wird – welcher Macht Körper ausgesetzt sind und die Macht, die von Körpern im öffentlichen Raum ausgeübt wird.

Sonja Yakovleva fertigt seit Jahren monumentale Scherenschnitte mit überbordenden Bildkompositionen. Sie wurde durch die Ironie ihrer pop-feministischen Motive bekannt, welche sich zu einem Manifest selbstermächtigter weiblicher Körperlichkeit entwickelten. Mit der aktuellen Ausstellung schaut sie auf Klassenfragen und Machtverhältnisse in der Leistungsgesellschaft. Yakovleva karikiert den Körperkult, den Schönheitswahn und den grassierenden Wettbewerb heutiger Fitnesskultur als Symptom verinnerlichter Normen. In ihren Bildwelten inszeniert und offenbart sie die Arbeit am eigenen Körper als Mittel des Leistungsdiktats. Als Gegenpol dazu untersucht Yakovleva Arbeit als Notwendigkeit, für Menschen und für das Funktionieren von Städten und der Gesellschaft als Ganzes.

Wer hat Macht? Körper im Streik ist eine Einladung, sich durch die Werke von Sonja Yakovleva und Gintarė Sokelytė Phänomenen der heutigen Zeit sinnlich zu nähern. Die Ausstellung ist eingebettet in die programmatische Ausrichtung des Frankfurter Kunstvereins, der sich für die Förderung junger Kunst aus Frankfurt und dem Rhein-Main-Gebiet einsetzt und dabei innovative Perspektiven auf gesellschaftliche Fragen präsentiert.

Sonja Yakovleva (*1989, Potsdam) lebt und arbeitet in Frankfurt am Main (DE). Sie hat an der Hochschule für Gestaltung Offenbach und an der Hochschule der Bildenden Künste in Athen (GR) studiert. Sie ist Mitglied des Kollektivs KVTV, mit dem Yakovleva den Videoblog KulturvotzenTV über zeitgenössische Kunst auf Instagram betreibt und Ausstellungs- und Publikationsprojekte kuratiert. Unter anderem hat Sonja Yakovleva in folgenden Institutionen ausgestellt: Kunstraum Potsdam, Potsdam (DE), Kunstpalais Erlangen, Erlangen (DE), Klingspor Museum, Offenbach am Main (DE), Städtische Galerie Nordhorn, Nordhorn (DE), saasfee pavillon, Frankfurt am Main (DE), Neuer Kunstverein Gießen, Gießen (DE).

Special Guests: Nora Al-Badri, Simon Denny, Do Not Research, Olia Lialina, Jill Magid und Jon Rafman

Eröffnung am Donnerstag, den 13. Juli 2023, um 19 Uhr

Der Frankfurter Kunstverein freut sich, die bisher größte Soloausstellung der Medienkünstler:innen Eva & Franco Mattes, mit dem Titel Fake Views, zu präsentieren. Unter dem Pseudonym 0100101110101101.org wurden sie international zu Pionier:innen der Netzkunstbewegung. Sie beschäftigen sich seit den 90er-Jahren mit den Phänomenen, die durch das Internet entstanden sind. Das Künstler:innenduo ist bekannt für die ironische Aneignung von Internetstrukturen, sowie eine kritische Auseinandersetzung mit den sozialen und politischen Auswirkungen der Netzkultur auf unsere Gesellschaft.

Die Ausstellung Fake Views

Fake Views thematisiert durch den Titel mehrere Aspekte. Zum einen spielt dieser auf das Phänomen der Fake News an, manipulierte Nachrichten, die sich in sozialen Netzwerken schwer kontrollieren lassen und oft kommerzielle oder ideologische Interessen verfolgen. Zum anderen steht der Titel Fake Views für eine digitale Praxis, nämlich manipulierte Klickzahlen für Videos und Bilder, die bei unseriösen Anbieter:innen gekauft werden, um die Aufrufe zu erhöhen und den Eindruck einer öffentlichen Unterstützung zu erwecken. Diese künstlich generierten Views unterstützen Influencer:innen, Unternehmen, Verschwörungstheoretiker:innen und Politiker:innen dabei, eine größere Reichweite und Aufmerksamkeit zu erlangen.

Der Einsatz gefälschter Social-Media-Konten und Kommunikations-Bots sowie die Täuschung durch manipulierte Bilder, erfundene Quellen und Clickbait-Journalismus sind weit verbreitete Methoden organisierter Propaganda und Desinformationspolitik. Sie werden professionell konzipiert und bedienen existierende Vorurteile, sogenannte kognitive Biases. Durch konstruierte Narrative lenken und verzerren sie öffentliche Meinung.

Eva & Franco Mattes‘ Werke nutzen Mittel und Strategien einer umkämpften Aufmerksamkeitsökonomie, welche die globale Öffentlichkeit bestimmen. Das Künstler:innenduo konzentriert sich darauf, manipulierte und manipulative Daten sowie die oft unsichtbaren digitalen Prozesse offenzulegen und sichtbar zu machen. Ihre Themen umfassen verschiedene Bereiche wie den Ressourcenverbrauch zur Verarbeitung von Daten, die unregulierten Arbeitsbedingungen im Internet sowie die Konstruktion absurder Identitäten in den sozialen Medien.

Ihr konzeptueller Ansatz wirkt wie ein Kontrastmittel für Netzkulturen. Es ermöglicht ihnen, das Internet und seine unsichtbare Infrastruktur – sowohl technische als auch menschliche – von innen heraus zu beleuchten.

Der Ausstellungsparcours

Die Ausstellung funktioniert wie ein zusammenhängender Organismus, in dem miteinander verbundene Teile ein ganzes Netzwerk bilden und jedes Werk einen wesentlichen Aspekt der globalen Online-Kultur untersucht.

Der Parcours beginnt mit der spektakulären Skulptur Personal Photographs. Metallene Kabeltrassen und -stränge bilden eine dreidimensionale Struktur, die die ambivalente Beziehung zwischen privaten und öffentlichen Daten visualisiert. Hier werden Hardware und funktionale Infrastruktur in einem künstlerischen Akt offensiv nach außen gekehrt. Sie dienen sowohl als gestalterisches Element als auch als Kunstwerk.

Es folgen Eva & Franco Mattes‘ Arbeiten BEFNOED und The Bots. Beide Videoinstallationen thematisieren die ausbeuterischen Arbeitsverhältnisse von Online-Arbeitnehmer:innen, dem sogenannten „Cybertariat“ (Cyber-Proletariat). Immer mehr Menschen, die zu schlechten Bedingungen für digitale Plattformen arbeiten, sind unverzichtbarer Teil der in den letzten Jahren entstandenen Gig Economy. Die Arbeit BEFNOED gibt den ansonsten anonymen Arbeitnehmer:innen Sichtbarkeit. Von den Künstler:innen als Dienstleister:innen beauftragt, performen sie sinnfreie, humorvolle und sogar poetische Aktionen vor der Kamera.

In der sechsteiligen Arbeit The Bots werden Zeug:innenaussagen von Content-Moderator:innen als getarnte Make-Up-Tutorials präsentiert. Diese Moderator:innen sind für die manuelle Löschung von Fluten an gewaltverherrlichenden, pornografischen und kontroversen Bildern aus den sozialen Medien zuständig und dieser Belastung somit ungeschützt ausgesetzt. Die Aussagen stammen aus investigativen Recherchen, bei denen Zeug:innen zu ihrer Tätigkeit in der Facebook-Moderationszentrale in Berlin befragt wurden. Um die Anonymität der Zeug:innen zu gewährleisten, wurden die Aussagen von Schauspieler:innen interpretiert.

Während der Recherche für The Bots erhielten Eva & Franco Mattes Zugang zu vertraulichen Richtlinienkatalogen, die als Bewertungsmaßstab für Content-Moderator:innen dienen. Diese bislang der Öffentlichkeit verborgenen Regeln wurden von den Künstler:innen in den Wandarbeiten Abuse Standards Violations sichtbar gemacht.

Als Weltpremiere präsentieren Eva & Franco Mattes ihr neues Video Up Next, das sich mit dem Schicksal der Iranischen Teenagerin beschäftigt, die als Sahar Tabar auf Instagram berühmt wurde. Die Arbeit – eine tonlose Videomontage aus Bildern und Presseclips – zeigt auf erschütternde Weise, wie sich das Spiel mit der eigenen Identität im Netz verselbstständigen und zu einem hoch manipulativen medialen Spektakel eskalieren kann.

Am Ende des Ausstellungsparcours befindet sich die neue Arbeit P2P. Zu sehen ist ein Server in einem Gitterkäfig. Auf diesem leistungsstarken Server befinden sich die Werke von Nora Al-Badri, Simon Denny, Do Not Research, Olia Lialina, Jill Magid und Jon Rafman. Die Künstler:innen und Kollektive sind Teil von Eva & Franco Mattes‘ Netzwerk. Sie wurden explizit eingeladen, um für die Ausstellung im Frankfurter Kunstverein neue Werke zu schaffen. Entstanden ist eine Ausstellung in der Ausstellung, die ausschließlich innerhalb des von den Künstler:innen betriebenen Peer-to-Peer Servers stattfindet. Dieser nutzt die Konnektivität und Infrastruktur des Museums, um die Kunstwerke zu teilen. Die Ausstellung feiert die Peer-Gemeinschaften, die von Eva & Franco Mattes geschaffen wurden.

Die Ausstellung Fake Views wird von Franziska Nori kuratiert und ist Teil einer Serie von Ausstellungen des Frankfurter Kunstvereins, die sich kritisch mit Themen der digitalen Gesellschaft und Demokratie auseinandersetzen. Frankfurt beheimatet den weltweit größten Internetknotenpunkt DE-CIX, wodurch sich zunehmend internationale Datenzentren in der Stadt ansiedeln. Die in diesen Zentren zirkulierenden Nutzer:innendaten werden von privaten Firmen verwaltet und in unzugänglichen Hochsicherheitsgebäuden, fern öffentlichen Zugangs, betrieben. Daten sind mittlerweile der wertvollste Rohstoff unserer Zeit. In Bezug auf Datensouveränität hat Frankfurt die Chance, politisch eine Vorreiterrolle einzunehmen. Eine demokratische Selbstbestimmung über die Erhebung, Speicherung, Nutzung und Verarbeitung von Daten, die von Bürger:innen generiert werden, könnte gefordert werden, wie es bereits am Beispiel von Barcelona abzulesen ist.

Das Internet ist kein abstrakter Raum, sondern existiert ganz real als Software, die von Menschen geschrieben wurde, und als Hardware, die unsere Städte verändert. Eva & Franco Mattes nutzen diese Materialität für ihre Kunstwerke und beleuchten daraus resultierende abstrakte ökonomische, soziale und politische Phänomene.

Co-Kreation Kunst: Franziska Nori
Co-Kreation Wissenschaft: Katrin Böhning-Gaese

Alexandra Daisy Ginsberg / Fernando Laposse / Julia Lohmann / Maurizio Montalti / MYRIAD. Where we connect. / Fraunhofer-Institut für Angewandte Polymerforschung IAP / Karlsruher Institut für Technologie, Fakultät für Architektur / Max-Planck-Institut für Verhaltensbiologie / Walter R. Tschinkel / Zoo Frankfurt

Bending the Curve – Positive Erzählungen und konkrete Handlungsmodelle

Ohne Artenvielfalt ist auf dem Planeten Erde auch keine menschliche Existenz möglich. Schon zu lange nimmt die Artenvielfalt jedoch ab. Und zwar in alarmierendem Tempo. Diese Erkenntnis eint das Kurator:innenteam des Frankfurter Kunstvereins, welches das Senckenberg Biodiversität und Klima Forschungszentrum sowie den Zoo Frankfurt eingeladen hat, sich zu einer interdisziplinären Kooperation zusammenzuschließen. Ergebnis ist die neue Ausstellung Bending the Curve – Wissen, Handeln, [Für]Sorge für Biodiversität, deren Titel auf das Konzept „Bending the Curve of Biodiversity Loss“ anspielt. Es geht um die Frage, wie der Negativtrend gestoppt oder sogar umgekehrt werden kann. Und es geht um positive Erzählungen. Damit beschäftigen sich die in der Schau versammelten Positionen aus Kunst und Wissenschaft. Sie illustrieren Wege und Handlungsideen zur Erholung der Ökosysteme und dienen dem Ziel einer Schubumkehr in der Biodiversitätskrise.

Franziska Nori (Co-Kreation Kunst) und Katrin Böhning-Gaese (Co-Kreation Wissenschaft) haben international renommierte und innovativ arbeitende Künstler:innen eingeladen, im Frankfurter Kunstverein aktuelle, zum Teil eigens für die Ausstellung geschaffene Werke zu präsentieren. Dazu gehören raumgreifende Installationen ebenso wie Arbeiten aus dem Bereich der computergenerierten Wirklichkeit. Im Frankfurter Kunstverein treffen sie auf Positionen, die das Ausstellungsthema aus der wissenschaftlichen Perspektive veranschaulichen. Etwa durch Big-Data-Modelle, Erfahrungen mit Virtual Reality, ein lebendes Ameisenvolk sowie Ergebnisse innovativer Materialforschung und auf aktiver Teilnahme basierenden Citizen-Science-Projekte.

Die künstlerischen ebenso wie die wissenschaftlichen Ausstellungsstücke stehen für mehr als nur symbolhafte Verweise. Stattdessen präsentiert Bending the Curve Künstler:innen, Forschungsprojekte und Initiativen, deren Arbeit sich auf aktives Handeln für die Transformation konzentriert. Was sie in der Ausstellung zeigen, ist nach der Idee der Co-Kreation entstanden und steht für einen gemeinsamen interdisziplinären Schöpfungsprozess, der sowohl menschliche als auch nicht-menschliche Lebewesen einschließt.

Die Exponate und ihre Entstehungsweise zeigen, wozu eine Umkehr in Denken und Handeln sowie eine neue Werte-Priorität führen können. Auf der im Ausstellungsuntertitel formulierten Grundlage von Wissen, Handeln, [Für]Sorge für Biodiversität propagieren die Macher:innen und deren Werke eine Abkehr vom Anthropozentrismus hin zu dem von Donna Haraway geprägten Begriff transformativer Naturecultures. Die zukunftsweisende Haltung der in Frankfurt präsentierten Künstler:innen ergibt sich auch daraus, dass sie nicht nur nachhaltige, sondern regenerative Kunst präsentieren. Anders als Nachhaltigkeit, die darauf abzielt, Ressourcen zu erhalten und negative Folgen zu minimieren, richtet regenerative Kunst den Fokus auf Koexistenz mit den Ökosystemen. Dafür müssen die Koordinaten des täglichen Daseins so aufeinander abgestimmt werden, dass ein lebenswertes soziales Umfeld entsteht und dies zugleich der Erholung und Erneuerung, wenn nicht sogar der völligen Gesundheit der Umwelt dient.

Die Ausstellung im Frankfurter Kunstverein ist inspiriert von dem Projekt „Bending the Curve of Biodiversity Loss“. Dahinter verbirgt sich ein internationales Netzwerk, das von Dr. David Leclère geleitet wird und dem 60 Wissenschaftler:innen sowie 46 Institutionen angehören. Sie weisen nach, dass sozial-ökologische Transformation trotz der schwierigen Bedingungen noch möglich ist und leiten daraus die Forderung an die Zivilgesellschaft wie auch an Politik und Wirtschaft ab, entsprechend zu handeln.

Der Frankfurter Kunstverein versteht sich als ein kulturelles, in der Mitte der Gesellschaft verortetes Forum. Mit den Mitteln der Kunst und des bildhaften Denkens führen Künstler:innen und Expert:innen aus unterschiedlichen Bereichen dort einen öffentlichen Diskurs mit Akteur:innen aus der Zivilgesellschaft und animieren auf diese Weise zum politischen Handeln.

Nach den Ausstellungen Trees of Life – Erzählungen für einen beschädigten Planeten und Die Intelligenz der Pflanzen, die 2019/2020 bzw. 2021/2022 zu sehen waren, setzt der Frankfurter Kunstverein mit Bending the Curve die Reihe der Kooperationen zwischen zeitgenössischen Künstler:innen und internationalen, naturwissenschaftlichen Forschungsinstituten fort.

Kunst und Wissenschaft: Eine disziplinübergreifende Kooperation

Für Bending the Curve hat der Frankfurter Kunstverein zwei starke Partnerinstitutionen aus Frankfurt eingeladen: das Senckenberg Biodiversität und Klima Forschungszentrum und den Zoo Frankfurt. Entstanden ist die Ausstellung in enger inhaltlicher Zusammenarbeit und Co-Kreation zwischen Prof. Franziska Nori (Co-Kreation Kunst) und Prof. Dr. Katrin Böhning-Gaese (Co-Kreation Wissenschaft). Beide wurden unterstützt von Dr. Christina Geiger (Zoo Frankfurt).

Prof. Franziska Nori leitet den Frankfurter Kunstverein seit 2014. Unter ihrer Leitung entstand ein Programm, das gesellschaftliche Themen an der Schnittstelle von Kunst und Wissenschaft entwickelt. Hierfür wurde sie und der Frankfurter Kunstverein mit zahlreichen Preisen für die beste Ausstellung ausgezeichnet: Binding Kulturpreis 2019, Ausstellungspreis 2020 der Dr. Marschner Stiftung, art-Kuratorenpreis 2022 des art-Kunstmagazin.

Als Spezialistin für Biodiversität weist sich Prof. Dr. Katrin Böhning-Gaese nicht nur durch ihre Arbeit als Wissenschaftlerin, Direktorin des Senckenberg Biodiversität und Klima Forschungszentrums und Trägerin des Deutschen Umweltpreises 2021 aus. Zu einer Fachfrau im Kampf um die Erhaltung der Artenvielfalt macht sie auch ihr Engagement in politischen Beratungsgremien und internationalen Foren.

Der von Dr. Christina Geiger geleitete Zoo Frankfurt leistet Pionierarbeit in Sachen Artenschutz und Biodiversität. Durch engagierte Forschungs- und Bildungsarbeit trägt der Zoo aktiv zur Erhaltung gefährdeter Tierarten und Lebensräume bei.

Zu den wissenschaftlichen Forschungsinstituten, die eingeladen wurden, in Frankfurt ihre Erkenntnisse zu präsentieren, zählen das Fraunhofer-Institut für Angewandte Polymerforschung IAP (Dipl.-Ing. Thomas Büsse und Dr. Jens Balko), das Max-Planck-Institut für Verhaltensbiologie (Prof. Dr. Martin Wikelski und sein Team), das Karlsruher Institut für Technologie (Prof. Dr. Dirk Hebel und die Fakultät für Architektur). Zahlreiche Exponate der Ausstellung wurden in Kooperation mit den Wissenschaftler:innen erarbeitet und entwickelt.

Die Transformation vom Wissen zum Handeln wird durch eine Auswahl junger Unternehmen repräsentiert: Magna Glaskeramik, Blue Blocks Seawood, Compost Board, Plasticiet, Shards Fliesen aus Bauschutt, Smile Plastics, Spared, Stone Cycling, UpBoards und Mogu stehen für innovatives Wirtschaften in den Bereichen der New Materials. Im Fokus stehen dabei Recycling, Urban Mining sowie der Einsatz natürlich nachwachsender und abbaubarer Rohstoffe.

Das Kurator:innen-Team zeichnet sich dadurch aus, dass Expert:innenwissen sinnlich erfahrbar und bildhaft anschaulich gemacht wird. Dazu gehört nicht zuletzt die Vermittlung durch ein umfangreiches Begleitprogramm. Die Ausstellung selbst wie auch die Kooperation zwischen dem Frankfurter Kunstverein und Wissenschaftsinstituten sind motiviert von der Frage nach dem wechselseitigen Transfer zwischen Wissenschaft und Gesellschaft.

Kuratiert von Franziska Nori

Für die Ausstellung And This is Us 2023 sind 11 junge Künstler:innen in den Frankfurter Kunstverein eingezogen. In den Wochen vor der Ausstellungseröffnung haben sie in den Räumen gearbeitet und zum Teil dort ihre temporären Werkstätten aufgebaut. Entstanden sind neue großformatige Werke, die für den Ausstellungsort und die Schau produziert wurden. Sie stehen für die Vielfalt aktueller Kunstproduktion in Frankfurt und zeichnen ein Bild der Fragen und Themen, die junge Menschen an unsere Gesellschaft stellen.

Alle eingeladenen Künstler:innen studieren derzeit an der Hochschule für Bildende Künste – Städelschule in Frankfurt und der Hochschule für Gestaltung Offenbach oder haben gerade absolviert. Sie sind Vertreter:innen einer heutigen Generation, die durch die Jahre der Isolation geprägt wurden, und die auf der Suche nach neuen Strukturen und Modellen ist, weg von normativen gesellschaftlichen Regeln und Erwartungen, die scheinbar enttäuscht haben.

Das Konzept der Ausstellung lässt die Vielstimmigkeit der Künstler:innen zu. Nicht ein übergeordnetes Thema steht im Vordergrund, sondern die Teilnehmer:innen werden bei der Konzeption und Umsetzung ihrer ganz eigenen Themen begleitet, um ihnen die Produktion neuer Werke in institutioneller Dimension zu ermöglichen. So entsteht ein Parcours, der von der Unterschiedlichkeit der Künstler:innen, ihrer Positionen und ihrer Untersuchungen lebt.

Es geht um 11 unterschiedliche, persönliche Sichtweisen, verschiedene Erfahrungen und Erlebnisse. Und es geht um ihren Blick, darum, wie sie die erlebte Realität lesen und bildhaft umformen, wie sie neue Bedeutungszusammenhänge herstellen und somit Diskurse verschieben. Junge Künstler:innen waren und sind schon immer Seismographen ihrer Zeit.

Deren Kunstwerke sind für uns Betrachter:innen Angebote des selbstvergessenen Schauens, eine Möglichkeit unsere eigene Perspektive temporär zu verlassen und die eines anderen Menschen einzunehmen.

Zum vierten Mal seit 2017 findet diese Überblicksschau aktueller Kunstproduktion aus Frankfurt und der Rhein-Main-Region statt, die vom Frankfurter Kunstverein alle zwei Jahre kuratiert und produziert wird und Frankfurter Künstler:innen eine überregional sichtbare Bühne für ihre Werke bietet. Die Ausstellungsreihe im Frankfurter Kunstverein entsteht als Teil einer in Deutschland einmalig dichten und lebendigen Kulturlandschaft, in der zahlreiche, international renommierte Akademien und Hochschulen die neuen Generationen an Kunstschaffenden ausbilden. Für den Austausch und die Unterstützung danken wir herzlich den Professor:innen der Kunsthochschulen in Frankfurter und Offenbach.

Das Ausstellungsformat wurde von Anfang an großzügig von der Dr. Marschner Stiftung unterstützt, deren Engagement aus der Vision eines Frankfurter Bürgers hervorgegangen ist, um das kulturelle Leben für die Menschen unserer Stadt dauerhaft lebendig zu halten.